中産階級ミュージシャンの死
(thewalrus.ca)- ストリーミングプラットフォームの登場とフィジカル音盤市場の崩壊により、中産階級のミュージシャンが生計を維持することは難しくなっている
- ミュージシャンたちはレーベルとの契約、ツアー、フリーランス、政府助成金など、さまざまな方法で収益を得ようとしてきたが、不安定さと低収益に苦しんでいる
- 大手レーベルとストリーミングサービスだけが収益の大半を占めており、ほとんどのミュージシャンは年間数千ドル未満の収入しか得られていない
- ツアー費用の上昇、インフレ、AIによる音楽生成などの外部要因まで悪化し、精神的ストレスと中産階級ミュージシャンの消滅現象を加速させている
- 解決策として、アーティスト主導の価値再評価、政府による継続的投資、そして新たな収益モデルの導入が議論されている
中産階級ミュージシャンの登場と消滅
Rollie Pembertonは10代の頃にラッパーとして活動を始め、インターネットを通じて作品を知られるようになった。その後、Cadence Weaponという名義で活動し、Pitchfork などの音楽メディアで評論家とミュージシャンの両面にわたるキャリアを築いた。
2006年にUpper Class Recordingsと360契約を結び、アルバム発売やツアーなどアーティストとして成長する機会を得たが、アーティスト収益配分構造の不合理さにより収益の大半はレーベルに渡り、自身はかろうじて生計をつないでいた。2006年から2015年までにレーベルへ25万ドル以上の収益をもたらしたものの、本人には1万ドル相当の前払金以外、ほとんど実質的な収入がなかった。
レーベル構造とストリーミングの台頭
20世紀後半には、CDブームとフィジカルメディア販売によってミュージシャンの中上流的な生活が可能だったが、Napsterなどのファイル共有とストリーミングの時代へ移行する中で、業界構造は急激に変化した。Sony、Universal、Warnerなどの大手レーベルが市場の70%を支配し、自ら保有するコンテンツカタログやSpotifyの持ち分などを通じて莫大な利益を得ている。
一方で、ストリーミングプラットフォームの収益配分は極めて低く、Spotifyで100万回以上再生されても収益は数千ドル未満にとどまる。主要レーベルは、ごく少数のスターアーティストを除けば、大半の新人や中堅ミュージシャンに継続的な支援を行っていない。
ストリーミングとインディペンデント・アーティストの現実
ストリーミングサービスの登場は、音楽制作と流通の民主化という利点をもたらした。誰もが自ら音源をアップロードし、SNSを通じてファン層を広げられるが、毎日数万曲が新規登録されることで競争は過度に激化している。その結果、ほとんどのミュージシャンは生活を支えるだけの収益すら得にくい現実に直面している。
SOCAN代表のJennifer Brownらによれば、アーティストたちは富や名声よりも家族を養い、尊重される生計を望んでおり、100万ストリームで600ドル程度しか受け取れない現状に大きな失望を感じている。
公演市場の悪化とツアーの現実
新型コロナ後は生き残ったライブ会場も減少し、ツアー費用もインフレ、保険料、ビザ費用の増加などによって著しく上昇した。ツアーはもはや収益源ではなく、損失を出す構造へと変質している。
たとえばTokyo Police Clubは最後のツアーにおいて、パンデミックや競争の激化、物価上昇、米国ビザ費用の急騰などにより、過去のような持続的な収益性を確保することが難しくなった。
ミュージシャンのメンタルヘルス危機
経済的不安、低い職業安定性、過重労働、成果不足による挫折感は、多くのミュージシャンに不安やうつ、自殺衝動などの精神的危機を引き起こしている。Reveliosの「Soundcheck」調査によれば、86%がメンタルヘルスの問題を経験し、94%が常時不安定さを感じていた。
助成金と民間資本の限界
ミュージシャンたちは、政府助成金、企業スポンサー、慈善基金、私的イベントなど多様な経路を通じて直接支援を受けている。しかし、政府予算の削減や民間資本の限界により、十分な安定性は提供されていない。本当の解決のためには、継続的な政府投資と新たな収益モデルが求められる。
音楽の価値と構造的問題
音楽は社会にとって不可欠な文化資産であるにもかかわらず、デジタル化とストリーミングによって貨幣的価値を失ってしまった。大衆は音楽がいつでもどこでも無料で提供されることを期待しているが、これは制作者の生存に直結する構造的な不合理へとつながっている。
アーティスト主導の価値再創出
ミュージシャンのTorquil Campbellは、直販、オーダーメイド楽曲制作などによって自らの音楽価値を再定義した事例を共有している。Bandcampのようなプラットフォームを離れ、MP3の直接販売やファンとの直接的なコミュニケーション拡大など、独立した収益チャネルの重要性を強調している。しかし、このようなモデルにも十分なファン層を確保するまでは限界がある。
制度的変化の必要性
Taylor Swiftのような影響力あるアーティストの契約事例、事業者に対する倫理的基準の順守要求など、アーティストの連帯と集団行動の可能性が示されている。ストリーミングプラットフォームは、個々のリスナーの購読料を実際に聴かれているアーティストへ分配する構造に変わるべきだという主張も出ている。
SOCAN、Six Shooterなどの業界関係者は、政府による芸術投資の拡大、インフラ構築の重要性を強調しているが、決定的な解決策としては、音楽そのものの価値を社会的に再認識し、構造転換を図る必要があると訴えている。
結論と今後の展望
大手レーベルとストリーミングプラットフォーム中心の現在の体制は、中産階級ミュージシャンの存立を脅かし、その悪影響は社会全体へ広がっている。根本的な解決のためには、アーティスト自身による創造的な抵抗、集団的行動、価値の再定義に加え、社会的自覚と政策的支援が不可欠である。Rollie Pembertonの #MyMerch キャンペーン、インディペンデント・ミュージシャン中心の小規模公演、自律的なキャリア設計などが一つの代案として議論されている。
Lido Pimientaのように、単に生活できるだけの生計を望むミュージシャンの声を踏まえ、中産階級の芸術家の消滅が社会全体に及ぼす影響を警戒すべき時だ。音楽と芸術の存続のために、ファンの参加、社会的支援、そしてアーティストの価値再創出に向けた努力の重要性が強調されている。
1件のコメント
Hacker Newsの意見
「政府はユニバーサル・ベーシックインカムを導入すべきだ」という答えを、他のどんな答えよりも頻繁に聞いてきたという体験の共有。こうしたアイデアを「非現実的」と切り捨てるだけでは、私たちが抱える根本問題、つまり全般的な経済的不平等の問題は決して解決できない。まともに食べていける仕事の機会すら失われつつある人が増えている現実。ベーシックインカム、富裕税、大企業の分割のような広範な解決策のほうが、各業界ごとの細かな調整よりはるかに良いという考え
ベーシックインカム、富裕税、大企業の分割のような広範で構造的な解決策が必要だという点には同意するが、ベーシックインカムは何度も実験されてきたものの、明確なプラス効果もマイナス効果もほとんど確認されていない点を指摘。新しいミュージシャンを生み出すことにもつながっていない。行政的にシンプルでコスト削減に有利なのは利点。富裕税は資産売却を強いることでインフレを招き、その結果ミュージシャンが減る方向に働く可能性がある。実際には、国ごとにうまく機能している仕組みをまねるべきだと思う。日本は生活費が安く、教育産業が成熟していて、比較的低い賃金構造であるため、音楽家が多い国の例として挙げられる。特に日本の女性は仕事の選択肢が限られているため、アイドルとしてデビューするのも珍しくない現実
自分はアマチュアとしてスポーツ、音楽、美術などに高いレベルで取り組んでいる一方で、会社員として多くの税金を納めている立場でもある。なぜ他人が自分の才能のために全面的な支援を受けるべきなのか、納得できる説明が必要だと思う。「本当に必死に努力しても耐えられない人」と「純粋に情熱で芸術の世界に飛び込む人」を混同すべきではない。絶えず自分により多くを求めるのなら、もうこれ以上貢献したいとは思わない。すでに超富裕層や高所得者はさまざまな方法で負担を回避している
問題の根源は社会的・個人的な選好にあると考える。ミュージシャン間の所得格差？ 人々は一部のミュージシャンや曲を圧倒的に好む。ベーシックインカムや課税政策は、エンターテインメント分野における中位層と上位層の格差の解消に実質的な影響をほとんど与えない。住宅不足の問題も同様で、結局は人々の空間や立地への選好に由来する。根本原因を先に診断してから取り組んでこそ、本当の解決策になる
この問題は特定の業界の失敗ではなく、システム全体が下から上へ価値を吸い上げるよう設計されているという構造問題だという見方の共有
問題は経済ルールそのものが不公正であることから始まっている。モノポリーで何ラウンドか進んだ後に遅れて参加するような状況にたとえている。高すぎる住居費もその一例。そして一生懸命働いて多くのお金を稼いだ人たちが、自分の選択と異なる他人の人生に対して、意識的にも無意識的にもそのお金を「武器」として使うことで、別の不平等も生み出している。システムが壊れていると認めることが出発点だという確信
高所得のエンジニアたちとバンドをやっていた経験の共有。専業を考えるほど音楽を楽しんでいたが、4桁の出演料をもらっても、時給換算すると結局は最低賃金にも届かなかった。マネージャーの雇用、遠征費などで、収入に対する実入りはさらに減る。平日はそもそもライブ自体がなく、生計を立てられない。もし週を通してライブができる飲食店などが地域に増えれば、ミュージシャンが平日にも働けて専業が現実になるかもしれないが、まだそこまでの基盤はない。平日の予定をライブで埋められない以上、才能あるミュージシャンは結局ほかの道に進むしかない現実を直視すべきだ
ナッシュビルのブロードウェイで毎日演奏しても、努力に見合わない悲惨な月給しか得られない。ジャンルも限られ、1日に何度も演奏する消耗的な生活になる。音楽家として生き残るには、教会バンド、ウェディングバンド、セッション、レッスン、楽器テックなど多くの副業を並行しなければならず、その半分以上は純粋に運任せだ。本当に厳しい現実だが、切実に感じている部分
最近はパンデミック以降、平日夜のライブがかなり増えたという変化を感じる。回復期のあいだに活発になり、いまも消えていないので前向きな変化だと思う
「世の中が音楽を十分に価値あるものと見なしていない」という結論に至った。結局、大半の音楽家にとっては自分のために作る「遊び」に近い感覚。職業にするには大きな犠牲が必要だ。今の世界は創造性に十分な価値を与えていない。この状況を変えたいが、現実は憂うつに感じられる
記事で紹介されたRollie Pembertonの事例と、レーベルの360契約の仕組みの説明。Pembertonの収入はツアーやレコードではなく賞金と助成金が中心だったため、契約構造上、Upper Class Recordsが異常な利益を得た特殊なケース。ほとんどのミュージシャンにはこうした契約は当てはまらない。実際にはレーベルも中堅アーティストでは赤字になることのほうが多い。大半のメディア、スタートアップ、製薬業界でも同様に、「スーパースター」とごく少数の成功例が全体の収益を左右する。収益構造としては「敗者ではなく勝者だけが全体を養う」。中堅契約でさえしばしばロスリーダーのようなもので、成功した少数に集中してより良い機会を狙う構造。David Loweryの関連コラムを推薦
スーパースター経済構造の理論（Rosen, Sherwin. "The Economics of Superstars"）に言及。個人間のごく小さな差が巨大な所得格差を生み出すという説明。芸術家の低賃金構造は、人生を投げ打つ覚悟のある人材の「供給過剰」と、プロモーションやマーケティングによる「収益化できる希少性の強化」が原因。レーベルがより多くの取り分を得るのも当然の構造で、アーティストはある程度以上の規模で成功して初めて収入が劇的に伸びる
一方で、大半のバンドやアーティストがどれほど多く失敗し、その過程でどれほどのお金と努力がかかるかは見落とされがちだという点を強調。また、レーベルは市場支配力と資金力によって、いわゆる「ペイオラ（裏金による宣伝）」など不透明なやり方で業界を支配している。システムを改善するには透明性が役立つだろうが、この「不透明さ」自体が現行システムを維持する条件でもある。たとえ成功しても大して利益が残らないと人々に知られたら、多くはこうしたリスクを引き受けたがらないはずだ。成功の方程式は存在せず、結局は「偏ったコイントス」としか言いようのない業界の現実
記事がオーケストラやセッション奏者ではなくラッパー中心の事例ばかり扱っているのが残念だという意見。実際には録音音楽が登場して以来、消費者は中間レベルではなく上位のミュージシャンの録音物を選ぶようになった。したがって、小規模な知名度を持つ「中産階級ミュージシャン」になるのは本当に難しい。結局、ローカル市場、ニッチの開拓、ストリートパフォーマンスなどで生きていくやり方も悪くないと思う
大多数のミュージシャンは現在「中産階級」ではなく、少数のスーパースターと多数の貧困アーティストが共存している。$20〜100の小さな出演料や、大きな舞台に出ても8時間準備して$200しか稼げない過酷な経験の共有。かつてはミュージシャンが各種イベントに不可欠だったが、今では携帯電話の再生で音楽を代替できる時代になったという自嘲
小規模（100〜200人）の会場で演奏するバンドは、ただ純粋な情熱のためにステージに立っているのだと思う。むしろそういうバンドのほうが面白いと感じる理由でもある。出演料が少ないと分かっているので、物販などで追加支援したくなる。「安い値段で印象的な体験」を、外しても負担の少ない形で楽しめる。ノルウェーは大きな会場が多くないので、こうした文化をより前向きに見ている
John Philip Sousaが録音音楽の負の効果を正確に見抜いていたことに言及
オープンソース音楽（ストリートパフォーマンス）が一夜にして終わったと言われても、実際にはストリートパフォーマンスで得られる収入のほうが、何万人も使うオープンソースプロジェクトより良い場合があると強調
スピーカーで音楽を流すことと、実際のライブ演奏はまったく別の体験だという意見
次第にミュージシャンの出自がより裕福になっていく傾向への批判。金銭的支援なしでは芸術への挑戦には大きなリスクがある。労働者階級や低所得層のミュージシャンの時代は終わりつつあるという自覚
イギリスでは、かつての失業手当制度（golden age of the dole）が下層・中産階級の芸術家に芸術を開花させる時間と機会を与えていたという事例の共有。関連記事
昔は科学の分野でも同じで、富裕層の後援や家族の財力なしには研究が難しかった点を指摘
すべてのクリエイティブ産業が似たように「金持ちの子」中心だという指摘。ラグジュアリーファッション、レコードレーベル、アート、文学など、上位に進出するには高額なインターンシップや大都市での生活費負担が必要。最近ではSNSのフォロワー数すら足切り基準になっている
ミュージシャンという職業は俳優と非常によく似ているという認識。ネットワーク、財力、血縁関係が最も重要な要素。たとえば「親が俳優なら子どものキャスティングを条件に出演する」、あるいは裕福な親が子どもの出演を条件に映画へ出資するような事例（ニコラス・ケイジ、ジェフ・ブリッジスなど）。テック業界の富裕層も同じような構図。俳優であれミュージシャンであれ、資本と人脈が鍵になる
バスケットボールのようなスポーツでも同じ現象が繰り返されている。より高価なキャンプやネットワークを経た子どもたちが良い機会を先取りする。ブロニー・ジェームズ（レブロン・ジェームズの息子）のように、「金持ちの子現象」がスポーツにまで浸透している現実。スポーツでさえ「機会の平等」ではないことへの残念さ
ミュージシャンが経済的に自立すべき「適正な数」はどれくらいなのか、という問い。ストリーミングがその数を減らした一方で、録音音楽そのものが市場を狭めたことも認める。音楽そのものを職業ではなく趣味の芸術として捉え直すべきなのか、という本質的な問い。風景画で生計を立てる人がいないように、音楽も本来の立ち位置が違っていたのではないかと考える
愛をもって創作していても収益化の方法を見つけられないなら、その芸術に注ぐ時間そのものが制約される。結果として最高の作品も、最高の創作体験も生まれないかもしれない。もしエンジニアリングのような専門分野まで、音楽のように生計を立てにくい「趣味」に縮小されたら何が起きるかを想像してみてほしい。現場の実質的な差や技術革新の停滞など、現実的な問題は深刻だ
音楽や芸術の分野は、専業とアマチュアがバランスを取りながら発展することを強調。プロ演奏家にしかできない領域（オーケストラ、専門講師など）があり、アマチュアは独創的・実験的な音楽やライブ市場、楽器などの面でプロのシーンを支える。大半の音楽分野はプロとアマチュアの両方があってこそ機能する
一方で、ストリーミングやYouTuberのような新興産業についても、「これを職業として生きるべきなのか」という問いを投げる必要がある。産業構造や強力な知的財産権、規制強化が本当に芸術の質を高めたのか、それとも機会費用を増やしただけではないかという懐疑
音楽の消費者の立場では、「どれだけ多様な音楽を望むのか」が重要な問いになる。プロのミュージシャンが減れば、市場そのものに多様な商品やサービスが減る結果になる
ストリーミングは産業構造の一段階にすぎず、実際には録音や放送などの技術発展以後、「勝者総取り」現象はさらに激しくなり、大半の芸術家が生計に苦しんできた。今後はAIによって、数百年前のように再び後援者やパトロン中心の構造へ戻っていく見通し。昔も芸術家が裕福になれたわけではないが、少なくとも創作に打ち込む時間は保障されていた
パンデミック以後、ほぼあらゆる活動のコストが大きく上がったことに注目。Ever Givenのスエズ運河事故のようなサプライチェーン崩壊も複合要因。パンデミックや供給網の問題が終わったのに、なぜ価格が正常化しないのか、単なる企業の強欲以外にもっと深い説明が必要ではないかという疑問
価格が簡単に下がらないのはインフレの一般的なパターンかもしれないが、パンデミックを経て、さまざまな消費習慣やライフスタイルが完全に変わったという仮説。リモートワーク、ストリーミング、デリバリー注文のような、一見たいしたことのない技術がパンデミックを機に大衆化し、コロナ後も市場構造が元に戻れなくなった
パンデミック期に各国政府が通貨供給量を過剰に増やしたため、現在の高物価は簡単には解消しないという説明
参入障壁が非常に低くなったことも別の問題として作用している。昔は実力を積んでレコード契約を得る必要があったが、今ではプログラム（Logicなど）をダウンロードし、自動化や補正で音楽を作って、そのままストリーミングサービスにアップロードできる。だからこそMonoNeonのような本当に実力のある音楽家が、かえってチケットパワーを持つという皮肉
音楽プロデューサーとして働いた後、5年前にデータサイエンスへキャリアを変えた人の経験。音楽業界で成功するには、実力とネットワークを備えていても、結局は「運」が絶対的に重要。そしてその「運」の窓は最近さらに狭くなっている